Cada año hay canciones que me atrapan por periodos, las pongo repetidamente, me aprendo fragmentos o me acompañan para ciertas actividades.
Me recuerdan el poder de la música, de la sorpresa y el azar. En algunos casos, los álbumes que las contienen no me atrapan por completo; en otros no existe álbum alguno, son canciones sostenidas por su sola fuerza, recordando el pasado previo a los long plays (LP), cuando en la industria musical solo se lanzaban canciones solitarias y se esperaba que se convirtieran en hits.
En todo caso espero que lo aleatorio de la selección los haga ir a buscar sus propios caminos inusitados y los exploren.
"La imitación es la forma más sincera de halago" es el aforismo más famoso que ha sobrevivido de la obra de Charles Caleb Colton y en estricto sentido, Soen inicialmente parecía una especie de placebo para suplir la ausencia de nueva música de TOOL, su primer álbum Cognitive, lanzado en 2012, tiene tantos rasgos similares con la banda californiana que por momentos pareciera un tributo más que solo inspiración o influencia.
Pero la vida no es estática y cuando un artista elige tomar nuevos caminos, llenarse de nuevas inspiraciones, además de permitirse hablar con su propia voz se pueden esperar grandes resultados.
Soen llega a su cuarto disco con una increíble madurez. Mientras TOOL repitió de manera intencional todas sus fórmulas para su disco más reciente, el proceso de creación en Lotus fue mucho más fluido, más libre, sin sobre análisis o ansiedad por tomar cada una de las minúsculas decisiones y se nota en el producto final.
Lotus es un disco completo, de principio a fin hay una idea sónica y lírica que varía entre introspección y explosión con un balance perfecto. Cada instrumento se escucha de manera adecuada en la mezcla, el trabajo de la batería de Martín López, famoso por su paso con Opeth, es quizá el mejor de su carrera; y la voz de Joel Ekelöf con su gran calidez envuelve en las líneas más sutiles y es potente en los momentos de ascenso y lucha dentro de cada pista. En un principio, cuando arrancó el proyecto ambos personajes principales (López y Ekelöf) eran cuestionados por renunciar a sus bandas anteriores, en el caso del vocalista, por dar un salto hacia un género mucho más fuerte y estridente de lo que estaba acostumbrado en Willowtree, pero ojalá más personas se aventuraran como él. En el caso de López, aunque quiero y respeto muchísimo a Mikael Akerfeldt, Opeth siempre será solo su proyecto y quizá hubo malentendidos que no pudieron ser arreglados entre ambos. En resumen, Lotus es un disco que crece, se expande, respira de manera natural, como un vino cuando es abierto y se oxigena. Hay más refinamiento, más cercanía con Pink Floyd o Porcupine Tree, pero no por ello menos fuerza.
Hay una larga tradición de mujeres creadoras de música que muchos han intentado nombrar como "Americana", un término que intenta resumir la confluencia de estilos como el folk, el country, el blues o el bluegrass, Carole King, Joni Mitchell o Joan Baez son nombres clásicos que han quedado asociados con ese estilo en alguna parte de sus respectivas carreras y más recientemente Fiona Apple, Cat Power o Lana del Rey.
Del lado masculino uno de los más famosos exponentes es Bob Dylan, poeta y trovador que experimentó la reticencia propia de todos los públicos cuando en 1965 se osó a tocar con una banda de acompañamiento y además con una guitarra eléctrica durante el Newport Folk Festival. Eventualmente también fue abucheado en 1966 durante su gira de Reino Unido.
Sirva la anécdota para encuadrar lo que ha pasado con ciertos públicos y críticos respecto de "Remind Me Tomorrow" el quinto disco de Sharon Van Etten, una cantante y actriz nacida en New Jersey, con una larga estadía en Nueva York y que en sus primeros álbumes solo se hacía acompañar por una guitarra y sus letras (había mínimos arreglos de arpa, violines o piano, pero la idea era presentar su música de la manera más sencilla posible).
Su nuevo álbum es un salto al vacío, una evolución que nadie hubiera imaginado previamente, como si hubiera fusionado su estilo original con New Order, Björk, Goldfrapp o Bat For Lashes (por citar algunos ejemplos). La combinación es increíblemente exitosa, su voz sigue siendo el principal atractivo, pero los arreglos, ritmos, capas y matices que la acompañan en cada canción permiten contar historias más completas.
Y precisamente las historias siguen siendo lo más importante en estas canciones, historias de amor y cambio, pertenencia o aislamiento, desamor o desapego, las sensaciones a las que día a día nos enfrentamos, sin importar cuán famosos o ricos seamos.
Siempre he tenido respeto por discos que crean un nuevo lenguaje musical o que se convierten en canon de lo que un género "debe de ser", en el metal hay decenas de ejemplos de discos que son lugar de encuentro para nuevos y viejos escuchas, que se vuelven tan venerados que generan conversaciones entre diferentes generaciones.
Pero lo que más disfruto son las reinterpretaciones de esas bases, como hay personas que toman diversos elementos ahora clásicos y van construyendo nuevas ideas. Exile es un disco clásico de metal que vio la luz en 2019. En este disco hay un poco de la identidad sónica de Queensrÿche, la sincronía entre guitarras como en Iron Maiden, la fortaleza y oscuridad de Black Sabbath y al mismo tiempo un vínculo con el presente que sirve como puente entre lo clásico y lo moderno.
Al día de hoy tan solo 1,077 personas de acuerdo con Spotify escuchan mensualmente a Black Sites, un proyecto iniciado en 2016 por el guitarrista y compositor Mark Sugar quien ha estado presente en la escena metalera de Chicago desde hace varios años. Llegué al disco por accidente, mientras revisaba el sitio Angry Metal Guy encontré una reseña de abril y aunque no siempre coincido con la línea editorial de ese sitio, decidí aventurarme por completo.
En palabras de su creador cada canción surgió en su cabeza dependiendo de un estado de ánimo o influido por distintos temas como política, religión, avaricia y la siempre conflictiva condición humana, pero además detalla lo que sus oídos como melómano le recordaban en el proceso de grabación de cada una.
"Dream Long Dead" es la canción que más me atrapó en un inicio, parece incluso fuera de lugar dentro del álbum, aunque sirve como una limpieza de paladar al mismo tiempo, es una especie de mezcla entre Killing Joke y Type O Negative. "Coal City" es posiblemente la más elaborada, no es una balada, sino un lamento, una historia sobre la imposibilidad de lograr los sueños y estar atrapado en un sitio frío y muerto, mientras la vida sucede en otro lugar. "Feral Child" aunque su creador diga que le suena a Thin Lizzy y Voivod, para mí parece un hijo bastardo escrito entre Dave Murray y Chris DeGarmo. "Dwell Upon The End" es la canción que cierra el álbum, un saludo (tributo) a Black Sabbath en su era con Dio.
Cada día parece haber menos opiniones respetuosas en las redes sociales, es como si la preferencia por un aspecto de la vida necesariamente requiere del desprecio absoluto por otro (gobierno, fútbol, ¡quesadillas!) Obviamente la música no escapa a este ambiente enrarecido y no solo es con los géneros musicales, sino que a veces sucede con la propia discografía de un grupo entre sus seguidores. Jesse Leach ha grabado con éste, 3 discos desde su reunión con Killswitch Engage, recordemos que él inició en este proyecto hace casi dos décadas, pero en algún momento y tras una separación bastante agria, Howard Jones ocupó su lugar y la banda comenzó su etapa más celebrada y exitosa, prueba de ello son los discos: The End Of Heartache y As Daylight Dies. Atonement parece el mejor título para llamar este disco, ambos personajes centrales de esta historia, Leach y Howard, que divide a seguidores y críticos, son hombres con vidas complicadas, entre problemas de salud mental, enfermedades crónicas y las dificultades de lidiar con fama y éxito ambos parecían destinados a un lúgubre fin. No obstante, a veces el proceso creativo, liberar tensiones y la rabia contenida mediante el arte puede ser la válvula de escape necesaria para apaciguar todo. En "The Signal Fire", ambos vocalistas comparten el peso de la historia del grupo y dan el mensaje de que la unidad es mucho mejor que la supuesta animadversión que algunos medios y fans querían creer.
Killswitch Engage logró el mejor equilibrio de su discografía, entre su forma más cercana al metal core propio del nuevo milenio en Estados Unidos de América y el death metal clásico de origen escandinavo con el que siempre habían coqueteado. El disco es una mezcla perfecta de estilos que para los amantes de la música estridente suena a progreso.
Este año escuché varios discos que tenían similitudes con las películas, no eran soundtracks per se, pero tenían esa sensibilidad de ir develando de a poco la trama, creando un ambiente, presentando personajes, enseñando el tono y el color de la historia que sería contada.
Quizá el mejor logrado de todos ellos sea Lux Prima, la colaboración entre Karen O, famosa por ser la vocalista de Yeah Yeah Yeahs y Danger Mouse, famoso entre otras cosas por producir y componer el disco St. Elsewhere de Gnarls Barkley, sí, el de "Crazy".
El inicio del álbum parece precisamente el amanecer, una historia sobre la luz que va venciendo a la noche y empieza a bañar el mundo; una ventana que se llena de reflejos amarillentos y cálidos o la luz del sol bañandolos párpados de quiénes han pasado la noche fuera.
Cada acento en las líneas de bajo, su contraparte percusiva, el acompañamiento con distintos pianos: clásicos, eléctricos, tipo hammond o clavicornios, además de las capas y matices orquestados hacen del disco lo más cercano a tener una experiencia palpable, una que prácticamente pide ser engullido, dejarse envolver por todo el conjunto.
Así como con UNKLE, al disco le acompañaron diversos productos multimedia, vídeos, animaciones, una exposición diseñada para apreciar junto con el álbum en una galería de Los Ángeles, incluso hubo una increíble coreografía en vivo para un programa de televisión dirigida por Spike Jonze.
En resumen este disco es ideal para escucharse completo y perderse en los vaivenes de cada una de la historias que cuenta.
Hace muchos años hacía una broma recurrente con algunos de mis mejores amigos cuando les recomendaba un disco, ellos preguntaban "¿Qué tal está?" yo contestaba: "Está chido, está Sabbath".
Obviamente la broma se refería a bandas cuyo ADN ha sido modificado con riffs que hubiera imaginado Tony Iommi, ahora que lo pienso, quizá cada uno de esos riffs sí los creó Iommi en su mente y con sus súper poderes los colocó en la imaginación de nuevos guitarristas a lo largo de los últimos 50 años.
Magic Circle llega a su tercer álbum ampliando sus horizontes, agregando nuevos instrumentos, guitarras acústicas de 12 cuerdas, tablas hindúes, pianos Rhodes, etc. además de nuevas capas de armonías vocales sumadas a la potente voz de Brendan Radigan.
Regresando de nuevo al origen, Magic Circle dio un salto al vacío como en su momento Black Sabbath lo hizo con Sabbath Bloody Sabbath, se dejaron influir por un nuevo impulso de música más elaborada, con mayores cambios y ritmos y lograron crear un disco que si estas reseñas solo se centraran en Doom tradicional sería el mejor del año.
